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Cinema

Os casais inesquecíveis do cinema mudo

quarta-feira, outubro 11, 2017

Cinema

10 lendas femininas do cinema mundial

quarta-feira, dezembro 28, 2016

Talento, beleza e intensidade que ultrapassam fronteiras. Conheça 10 lendárias atrizes dos cinemas de todo o mundo.

Estados Unidos – Katharine Hepburn

Eleita pelo American Film Institute como a maior estrela feminina de todos os tempos, Katharine Hepburn é a atriz com o maior número de Oscars em toda a história – Manhã de Glória (1933), Adivinhe Quem Vem Para o Jantar (1968), O Leão no Inverno (1969) e Num Lago Dourado (1981) -, além de colecionar outros importantes prêmios, como Emmy, BAFTA e Urso de Ouro. Ao longo de sua longeva carreira, que ultrapassou seis décadas, a atriz tornou-se conhecida por interpretar personagens que encarnam as transformações do papel da mulher.

França – Catherine Deneuve

Ícone eterno de beleza, Catherine Deneuve tornou-se conhecida por suas personagens frígidas e misteriosas em filmes como Repulsa ao Sexo (1965), de Roman Polanski, e A Bela da Tarde (1967), de Luís Buñuel. A atriz realizou produções ao lado de consagrados cineastas como Jacques Demy (Os Guarda-Chuvas do Amor, 1964), François Truffaut (O Último Metrô, 1980), Tony Scott (Fome de Viver, 1983), Lars von Trier (Dançando no Escuro, 2000) e Manoel de Oliveira (Um Filme Falado, 2003). Deneuve foi dez vezes indicada ao Prêmio César, tendo vencido por duas vezes – pelos filmes O Último Metrô (1980) e Indochina (1992). Por Indochina, foi também indicada ao Oscar de Melhor Atriz.

Brasil – Fernanda Montenegro

Consagrada atriz dos palcos e da televisão brasileira, Fernanda Montenegro fez sua estreia nas telonas em 1964, no filme A Falecida, de Leon Hirszman, adaptação da peça homônima de Nelson Rodrigues. Com seis décadas de carreira, foi a primeira – e, ainda hoje, a única – atriz latino-americana a ser indicada ao Oscar de Melhor Atriz (Central do Brasil, 1999) –, e a primeira atriz brasileira a vencer o prêmio Emmy (Doce de Mãe, 2013). O filme O Amor nos Tempos do Cólera (2007), baseado no romance de Gabriel García Márquez, marca sua estreia em Hollywood.

Alemanha – Marlene Dietrich

Musa de Josef von Sternberg, Marlene Dietrich iniciou sua carreira no cinema mudo. Eleita pelo AFI como a 10º maior lenda feminina do cinema, a atriz alemã ascendeu ao estrelato em 1930 como a dançarina de cabaré Lola Lola no clássico O Azul Azul, que rendeu-lhe fama nos EUA. Foi indicada ao Oscar por Marrocos (1930) e ao Globo de Ouro por Testemunha de Acusação (1957).

Japão – Setsuko Hara

Principal atriz da era dourada do cinema japonês, Setsuko Hara tornou-se conhecida no Ocidente como a personagem Noriko nos três filmes que compõem a Trilogia de Noriko – Primavera Tardia (1949), Também Fomos Felizes (1951) e Era Uma Vez em Tóquio (1953) –, do diretor Yasujiro Ozu. Estrelou, ainda, filmes de outros consagrados diretores japoneses, como Akira Kurosawa (Não Lamento Minha Juventude, 1946, e O Idiota, 1951) e Mikio Naruse (Repast, 1951). A atriz, que nunca se casou, retirou-se misteriosamente das telas no início da década de 1960 e viveu anônima até sua morte, em novembro de 2015. No Japão, Setsuko Hara recebe o título de “Eterna Virgem”.

Índia – Sharmila Tagore

Uma das mais aclamadas atrizes indianas de todos os tempos, Sharmila Tagore iniciou sua carreira aos 13 anos de idade em O Mundo de Apu (1959), último filme da chamada Trilogia de Apu, obra-prima do consagrado diretor Satyajit Ray. Com Ray, fez outros importantes filmes como A Deusa (1960) e Nayak (1966). Ao longo das décadas de 1960 e 1970, Sharmila estabeleceu-se também como atriz de filmes comerciais, tornando-se estrela de musicais em Bollywood. A atriz é detentora dos maiores prêmios do cinema indiano, entre eles dois National Filmfare Award e dois Filmfare Award. Em 2009, foi escolhida como membro da Comissão Internacional do Júri no Festival de Cannes.

Inglaterra – Vivien Leigh

Vivien Leigh eternizou-se como a destemida Scarlett O’Hara em ...E O Vento Levou (1939) e, posteriormente, como a trágica Blanche DuBois em Uma Rua Chamada Pecado (1951), filmes pelos quais conquistou o Oscar de Melhor Atriz. Leigh e seu marido Laurence Olivier (Hamlet, 1949) formavam o mais famoso casal de atores shakespearianos dos palcos ingleses. No cinema, dividiram a cena em Fogo Sobre a Inglaterra (1937), 21 Dias (1940) e Lady Hamilton, A Divina Dama (1941).

Egito – Faten Hamama

Em atividade desde os seis anos de idade, Faten Hamama é também conhecida como a “Shirley Temple do Egito”. Hamama foi a primeira esposa do ator Omar Sharif (Lawrence da Arábia, 1962, e Dr. Jivago, 1965). Juntos formavam o mais icônico casal do cinema árabe e atuaram em seis filmes – incluindo The River of Love (1960), adaptação egípcia do romance Anna Karenina, de Tolstói. Hamama colecionou importantes prêmios no cinema árabe e foi indicada ao prêmio de Melhor Atriz em Cannes em 1951 por sua performance em Lak Yawn Ya Zalem (traduzido em inglês como Your Day Will Come).

Suécia – Liv Ullmann

Musa de Ingmar Bergman, Liv Ullmann atuou em dez filmes do diretor sueco, dentre eles as obras-primas Persona (1966), Gritos e Sussurros (1972) e Sonata de Outono (1978). Quatro vezes indicada ao Globo de Ouro, venceu por Os Imigrantes (1971) e pelo mesmo filme foi indicada ao Oscar. A atriz destaca-se, também, como cineasta: Faithless (2000), seu segundo filme como diretora, concorreu à Palma de Ouro no Festival de Cannes.

Itália – Anna Magnani

Considerada a maior atriz italiana desde Eleonora Duse, Anna Magnani iniciou sua carreira no teatro e estreou no cinema no início da década de 1930. Intensa e com estilo de atuação “vulcânico”, a atriz trabalhou ao lado dos mais aclamados cineastas de sua geração, como Vittorio de Sica (Teresa Venerdi, 1941), Roberto Rosselini (Roma, Cidade Aberta, 1945), Federico Fellini (L’Amore, 1948), Luchino Visconti (Belíssima, 1951), Jean Renoir (A Carruagem de Ouro, 1952) e Pier Paolo Pasolini (Mamma Roma, 1962). Em Hollywood protagonizou produções de sucesso como A Rosa Tatuada (1955) – pelo qual conquistou o Oscar de Melhor Atriz – e Vidas em Fuga (1959).

Fotos: Reprodução

Cinema

A batalha de Ingrid Bergman contra o câncer de mama

quinta-feira, outubro 06, 2016

Por Rafaella Britto -

Há 50 anos, temas concernentes à saúde da mulher representavam um ataque à moralidade pública. A censura e o primitivismo dos tratamentos para doenças fatais, como o câncer de mama, agravaram o sofrimento de mulheres ao redor do mundo em situação de vulnerabilidade física.

O câncer de mama é o tumor maligno que mais atinge mulheres. A doença ganhou notoriedade ao atingir famosas celebridades como a atriz Ingrid Bergman, cuja vida foi tragicamente marcada pela batalha de nove anos contra a enfermidade que culminou em sua morte.

(Foto: Reprodução)

Ingrid Bergman descobriu o caroço no seio em 1973, aos 58 anos. A musa de “Casablanca” acabara de ser escalada para o elenco de “O Assassinato no Expresso Oriente”. Em 1974, Ingrid deixava a clínica em Londres após, sob anestesia, ter recebido do médico o diagnóstico do câncer de mama.

A doença agravou-se em 1977, à época das filmagens de “Sonata de Outono”, filme de Ingmar Bergman no qual a atriz sueca desempenha uma de suas mais memoráveis interpretações. A retirada do seio direito deixou Ingrid com linfedema no braço, prejudicando sua amplitude de movimento. Em sua autobiografia, “My Story”, a atriz relata: “O médico veio e eu pude ler seu rosto como um livro aberto. Eu me lamentei por ele, pois deve ser um trabalho terrível dizer às mulheres que elas foram mutiladas”.

À época das filmagens do filme "Sonata de Outono" (Ingmar Bergman, 1977), Ingrid Bergman sofreu o agravamento do câncer (Foto: Reprodução)

Décadas após a morte de sua mãe, a atriz Isabella Rosselini veio a público pela primeira vez para revelar a angústia e o sofrimento ao qual a família foi submetida ao ver a talentosa musa, que vivera sua vida de maneira intensa, sucumbir à dor da doença. “Mamãe sofreu de câncer de mama por nove anos”, disse ao Telegraph, “e os últimos três, quando meu irmão e irmãs estiveram com ela em Londres, foram muito difíceis. O câncer se espalhou pelos gânglios linfáticos, ela tinha um tumor enorme no braço direito e estava muito triste pelo receio de não ser mais capaz de atuar”.

Ingrid Bergman ao lado das filhas Ingrid e Isabella Rosselini (Foto: Reprodução)

UMA VIDA DE RISCOS

Bem como os demais tipos de câncer, as causas do câncer de mama são incertas. O desenvolvimento da doença é compreendido a partir de fatores de risco, como o histórico familiar (mulheres com parentes em primeiro grau que tiveram a doença antes dos 50 anos são mais vulneráveis), a menstruação precoce (antes dos 11 anos), a menopausa tardia (após os 55 anos), a primeira maternidade após os 30 anos e o aumento da idade. Há, também, fatores de risco modificáveis, como o excessivo consumo de álcool.

O biógrafo Laurence Leamer descreveu Bergman como “uma mulher alcoólatra e fumante inveterada”. A atriz revelou que não praticava exercícios físicos e tomava até quatro sorvetes diariamente. “Eu faço tudo o que eles dizem que não se deve fazer”, disse. “Eu como e bebo o que eu sinto vontade. Eu acordo tarde”.

Ingrid Bergman não praticava exercícios, bebia, fumava e tomava até quatro sorvetes diariamente. Na foto, ao lado de Gregory Peck (Foto: Reprodução)

“Mamãe era muito sueca, prática e realista. Ela sempre disse a verdade, então, quando um entrevistador perguntava ‘quem é o seu designer favorito?’, ela respondia ‘eu não compro roupas de designers, são muito caras’. Todos ficavam estupefatos, era uma blasfêmia!”, revelou Isabella. “Cada um era um símbolo: o gângster, a femme fatale. Cary Grant sempre fazia Cary Grant, Jimmy Stewart sempre fazia Jimmy Stewart. Mamãe era sempre escalada para viver a ingênua, mas ela era muito aventureira e queria encontrar novas maneiras de fazer arte.”

Isabella Rosselini e Ingrid Bergman em 1971 (Foto: Reprodução/Telegraph)

INTENSIDADE DA DIVA SUECA QUEBROU BARREIRAS

Ao contrário do que temia, Ingrid Bergman continuou a atuar. Sua última aparição foi em “A Woman Called Golda” (1981), minissérie biográfica que conta a história da Primeira Ministra Golda Meir, ainda hoje a única mulher a ocupar um cargo de destaque no governo israelense.

Para viver Golda, Ingrid viajou a Israel e não disse a ninguém que estava doente. Conservando a vivacidade da juventude, a atriz passava horas no set de filmagem sendo maquiada para se transformar em “uma mulher mais conhecida por sua genialidade do que sua beleza.”

Ingrid Bergman recebe seu terceiro Oscar e o único de Melhor Atriz Coadjuvante, por "Assassinato no Expresso Oriente" (Sidney Lumet, 1974) (Foto: Reprodução)

“[O papel] Era perfeito para mamãe, que estava interessada em investigar quantas histórias ela poderia contar e quantos personagens ela era capaz de interpretar”, disse Isabella. “É incrível como ela foi capaz de fazer o que amava até o fim. Nenhuma atriz trabalhou em tantas línguas e em tantos estilos diferentes, ao redor do mundo e ao lado de grandes talentos. Ela é parte da história do cinema.”

Por “A Woman Called Golda”, Ingrid Bergman, três vezes vencedora do Oscar, foi homenageada postumamente com os prêmios Emmy e Globo de Ouro. A atriz faleceu em 29 de agosto de 1982, no dia de seu aniversário de 67 anos. Em uma de suas últimas entrevistas, declarou: “Eu gostaria de viver minha vida da maneira mais intensa, até o último momento possível. Em certa altura, você precisa fazer as pazes com as circunstâncias adversárias... você tem que se submeter. Submissão é parte da vida.”

Cinema

As vozes perdidas dos astros do cinema mudo

sábado, janeiro 16, 2016

Por Rafaella Britto

Pola Negri (Foto: Reprodução)

Dentre os elementos que intensificam o singular encanto dos atores e atrizes do cinema mudo, está o mistério acerca de suas vozes. O desenvolvimento da tecnologia de gravação de som iniciou-se no século 19, quando Thomas Edison, em 1878, patenteou o primeiro aparelho de gravação sonora por meio de uma agulha que riscava cilindros de cera. Os cilindros foram vigentes no mercado consumidor até a década de 1910, porém foram logo substituídos pelo gramofone (patenteado pelo inventor norte-americano Emile Berliner), cujos discos armazenavam até duas canções. Entretanto, o sistema de gravação e reprodução sonora não foi perfeito até o advento do cinema falado, em 1929.

Graças a tecnologia, é possível, na atualidade, recuperar registros históricos e torná-los acessíveis ao domínio público: na internet, têm-se acesso a registros de programas de rádio que vigoraram na década de 1930. Nestas raras gravações, são reveladas as vozes de míticas estrelas como Theda Bara e Norma Talmadge.

O famoso galã do cinema mudo, Rodolfo Valentino, encantou as mulheres de seu tempo por seu charme tímido, timbre de barítono e sotaque ítalo-americano. Sua amiga, a atriz Gloria Swanson, costumava dizer que Rudy tinha um “sotaque delicioso”, e outras personalidades que conviveram com o astro concordavam com ela. Margaret Mitchell (autora de “...E O Vento Levou”), disse, certa vez: “Ah, a voz dele! Era o seu charme. Baixa e rouca, com um sotaque sibilante incrivelmente fácil de se ouvir (...) Certamente, se Valentino tivesse vivido, ele poderia transitar para o cinema falado, provavelmente nos mesmos papéis que já desempenhava”.

É possível desfrutar do "sotaque delicioso" de Valentino em duas canções gravadas no ano de 1923: a primeira chama-se "El Relicario", música-tema do filme "Sangue e Areia" (Blood and Sand), de 1922. A segunda chama-se "Kashmiri Love Song" (Pale Hands I Loved), música-tema do filme "O Xeique" (The Sheik), de 1921. Valentino tocou viola em ambas as gravações.

Devido ao sotaque carregado do ator italiano e a tecnologia do período, as letras tornam-se de difícil compreensão: "El Relicario", cantada em espanhol, foi composta em 1914 pelo maestro espanhol Jose Padilla. A letra de Armando Oliveros e José Maria Castellví trata sobre o heroísmo de um toureiro. "El Relicario" foi reinterpretada por inúmeros artistas, incluindo a atriz mexicana Sara Montiel, na década de 1950.

"Kashmiri Love Song" (Pale Hands I Loved) foi composta no ano de 1902 pela chilena Amy Woodforde-Finden, baseada em poema de Laurence Hope (pseudônimo da poetisa inglesa Adela Florence Nicolson). "Kashmiri Love Song" foi uma das mais populares canções de todo o mundo até a Segunda Guerra Mundial.

Poucos atores do cinema mudo sobreviveram à mudança dos tempos, uma vez que desenvolviam a pantomima e habilidades corporais, em detrimento das vocais. A “queridinha da América”, Mary Pickford, obteve algum sucesso em sua estreia no cinema falado, conquistando o Oscar de Melhor Atriz por “Coquete” (1929). Já Douglas Fairbanks recebeu a novidade dos talkies sem grande entusiasmo, pois suas habilidades atléticas declinaram – em parte devido ao excessivo consumo de cigarro pelo ator. Juntos, Mary Pickford e Doug Fairbanks (à época, casados) realizaram alguns filmes que não cativaram as audiências do período pré-código Hays. A mais conhecida empreitada do casal no cinema falado é a adaptação da comédia shakespeariana “A Megera Domada” (Taming of the Shrew), de 1929, dirigida por Sam Taylor.

A qualidade vocal da ‘it’ girl Clara Bow (cuja carreira encerrou-se em 1933) nos filmes falados “The Wild Party”, “Dangerous Curves” e “The Saturday Night Kid” (ambos de 1929) foi aclamada pelo público. Bow, no entanto, como a maioria dos artistas do cinema mudo, considerava o cinema falado uma arte menor: “Eu odeio cinema falado... é rigoroso e limitante. Você perde muito da sua fofura, porque não há chance de ação, e ação é a coisa mais importante para mim”.

Clara Bow em cena de "Dangerous Curves" (Lothar Mendes, 1929):

Charles 'Buddy' Rogers esbanja talento como cantor no musical "Follow Thru", de 1930 - o segundo filme da Paramount Pictures a ser inteiramente filmado em Technicolor.

Lillian Gish teve sucesso razoável no início do cinema falado, uma vez que sua imagem cândida e ingênua, e interpretação dramática, passaram a ser caracterizados, nas sarcásticas palavras de Louise Brooks, como “parvos, antiquados e assexuados”. O produtor Louis B. Mayer tencionava criar um escândalo publicitário para reavivar a carreira de Gish, porém a atriz recusou-se e retornou a sua grande paixão: o teatro. Durante a década de 1930 e início de 1940, Lillian fez poucas aparições no cinema. No teatro, as mais aclamadas interpretações de sua carreira neste período foram a de Ofélia, na peça “Hamlet”, de Shakespeare, e Marguerite em “A Dama das Camélias”, de Alexandre Dumas Filho. A atriz reapareceu nas telas em 1946, no western “Duelo ao Sol”, protagonizado por Gregory Peck e Jennifer Jones. Gish interpreta o sublime papel da senhora Laura Belle McCanles, pelo qual conquistou uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante.

Lillian Gish na comédia dramática "His Double Life" (Arthur Hopkins, 1933):

Em 1937, Pola Negri demonstrou sua potência vocal no filme alemão "Tango Notturno" (dirigido por Fritz Kirchhoff), interpretando a canção "Ich hab' an dit gedatch", composta por Hans-Fritz Beckman e Hans-Otto Borgmann. O papel de Pola fora inicialmente destinado a Marlene Dietrich, porém a polaca soube interpretá-lo com maestria, e a canção-tema tornou-se um hit em sua voz.

A inesquecível Louise Brooks pôs ponto final a sua carreira cinematográfica após o lançamento de seu primeiro filme falado, o drama policial “O Drama de Uma Noite” (“The Canary Murder Case”, 1929), estrelado por William Powell. A película foi inicialmente filmada como um filme mudo e, posteriormente, dublada. Sob o pretexto de que não tinha obrigações com a Paramount, Brooks recusou a oferta de $ 10.000 para dublar sua personagem, e retornou a Alemanha para trabalhar novamente ao lado do cineasta G.W. Pabst (por quem foi dirigida “A Caixa de Pandora”, tornando-se um mito eterno do cinema). A Paramount ameaçou envolvê-la em escândalos, dizendo que ela jamais poderia voltar a trabalhar em Hollywood, ao que a musa - de língua afiada - reagiu: “Quem quer trabalhar em Hollywood?”. Em “O Drama de Uma Noite”, sua voz foi dublada pela atriz Margaret Livingston.

Impossibilitada de atuar na Alemanha devido à ascensão do nazismo, Brooks retornou aos EUA, porém foi recusada para papéis em Hollywood, pois os estúdios espalharam o boato de que sua voz era feia. Assim, Louise passou a interpretar papéis irrelevantes em comédias como “God’s Gift to Women” (1931) e filmes B como “Overland Stage Raiders”, com John Wayne. Em “Overland Stage Raiders”, Brooks fez sua última aparição no cinema, e, ao ser indagada, sobre por que aceitara o papel, respondeu que “precisava de trezentos dólares”.

Louise Brooks em cena de “God’s Gift to Women” (Michael Curtiz, 1931):

Dentre os que se mantiveram no estrelato mesmo após o advento do cinema falado, estão Norma Shearer, Joan Crawford, William Powell e Greta Garbo – cuja rouca voz afrodisíaca consolidou-a como deusa da sensualidade, mistério e beleza.

Greta Garbo em cena de "Grand Hotel" (Edmund Goulding, 1932):

Cinema

As influências artísticas nos figurinos de “Último Tango em Paris”

quarta-feira, dezembro 16, 2015

Por Rafaella Britto

Maria Schneider e Marlon Brando em "Último Tango em Paris" (Bernardo Bertolucci, 1972) - (Foto Reprodução)

O filme “Último Tango em Paris”, de 1972, é listado entre as obras-primas do cineasta italiano Bernardo Bertolucci: o drama erótico-psicológico narra a história de Paul (Marlon Brando), um americano de meia-idade de luto pela morte da esposa, que se encontra com Jeanne (Maria Schneider), uma garota ingênua e de espírito livre, em um apartamento anunciado para aluguel, em Paris. Os dois passam a ter relações sexuais sem trocar qualquer informação sobre suas vidas – nem mesmo seus nomes. A jovem Jeanne vê-se dividida entre a relação edipiana com Paul, e seu noivo Tom (Jean-Pierre Léaud), um pretensioso cineasta de sua idade, tudo acompanhado de uma trilha sonora jazzística.

O estilo boho-chic de Maria Schneider em "Último Tango em Paris" - (Foto: Reprodução)

Considerado um dos maiores filmes da história do cinema, diversos elementos contribuíram para seu sucesso mundial – destaque para a brilhante interpretação de Marlon Brando, que lhe rendeu indicações ao Oscar e ao BAFTA de Melhor Ator. Devido ao forte apelo à perversão sexual, “Último Tango em Paris”, à época de seu lançamento, não escapou aos ditames da censura: na Itália, foi lançado em 1975, e Bernardo Bertolucci foi processado por obscenidade e condenado a quatro meses de prisão. Somente em 1987, o filme pôde ser finalmente exibido em solo italiano; na Grã-Bretanha, o tempo de duração da cena de sodomia foi diminuído; o governo brasileiro, no auge do regime militar, liberou a exibição do filme em 1979; e no Chile, sob a ditadura de Augusto Pinochet, “Último Tango” foi proibido durante trinta anos. Mais tarde, Maria Schneider acusou Marlon Brando de tê-la violentado durante as filmagens, e declarou que “Último Tango” arruinou sua carreira.

O estilo boho-chic de Maria Schneider em "Último Tango em Paris" - (Foto: Reprodução)

Não seria temeridade afirmar que um elemento significativo para o sucesso do filme foi o guarda-roupa de Jeanne, criado pela italiana Gritt Magrini: o estilo boho-chic da personagem é o arremate da fotografia de Vittorio Storaro (que já havia colaborado com Bertolucci em “O Conformista”, 1970), que apresenta clara influência do pintor Francis Bacon, conhecido por seus retratos do grotesco e do pesadelo humano. Os créditos de abertura incluem duas obras de Bacon: “Double Portrait of Lucien Freud and Frank Aeurbach” e “Study for a Portrait”. “Depois de O Conformista eu tive um momento de crise; - disse Storaro - eu fiquei me perguntando: o que pode vir depois do azul-celeste?... Eu não tinha a menor ideia de que um filme laranja estava para nascer. Nós precisávamos de um novo tipo de emoção... e foi o caso de Último Tango.”

Pinturas de Francis Bacon nos créditos de abertura de "Último Tango em Paris" - (Foto: Reprodução)

A fotografia é “rica [em] cinza fresco e leve, branco gélido, e ocasionalmente vermelho combinado às escolhas de Bertolucci por marrom suave, amarelo escuro, e branco com delicados matizes de rosa” (Tonetti, 127). Durante a pré-produção, Bertolucci visitou exposições de Bacon em Paris. Segundo ele, as cores do pintor anglo-irlandês o lembram Paris no inverno, quando “as luzes das lojas estão acesas, e há um lindo contraste entre o cinza do céu invernal e o calor das vitrines... a luz nas pinturas foi a maior fonte de inspiração para o estilo que estávamos procurando.”

Semelhanças entre a obra de Francis Bacon e a fotografia de "Último Tango em Paris" - (Foto: Reprodução)

Em sua primeira aparição, Jeanne está vestida em um longo casaco branco enfeitado de plumas, semelhante a uma das pinturas de Bacon utilizadas como referência para a fotografia do filme. Da mesma maneira, as expressões de Paul são semelhantes aos autorretratos de Bacon: o pintor retratava a si mesmo vestido em um sobretudo marrom, aspecto também presente no figurino de Brando ao longo de quase todo o filme. Bertolucci “queria comparar Brando às figuras humanas de Bacon porque eu senti que, como elas, o rosto e o corpo de Marlon eram caracterizados por uma estranha e infernal plasticidade. Eu queria que Paul fosse como as figuras obsessivas de Bacon: rostos devorados por alguma coisa que vem de dentro.”

Marlon Brando como Paul em "Último Tango em Paris" e autorretrato de Francis Bacon - (Foto: Reprodução)

Os looks de Maria Schneider inspiraram (e inspiram) editoriais de moda e fashionistas pelo mundo: de cabelos encaracolados sob um chapéu fedora enfeitado de flores e olhos demarcados de preto, Jeanne desfila um vestido curto de cinto decorativo e estampa étnica, combinado a botas de couro de cano-alto, casaco de plumas e bolsa franjada; em outras ocasiões, camisas, coletes, paletó, cachecol, lenço no pescoço, jeans boca-de-sino, crochê e cintura alta. Jeanne cultiva um visual 70’s chique e despojado, perfeito para sua vida dupla.